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Página por Luis Durán y Sara Bernal para Historia de las Artes y el Diseño.
El Simbolismo es un movimiento artístico y literario originado en Francia en la década de 1880, paralelo al post-impresionismo que surgió como una resistencia a la realidad implícita del Impresionismo.
En su manifiesto de 1885 por el poeta Jean Moréas, se define como un movimiento en contra de la enseñanza, la falsa sensibilidad y lo objetivo.
Los simbolistas buscaban idealizar un mundo lleno de misterios a descifrar, lo que permite la libre interpretación de los elementos sensibles que los autores trataban de representar en sus obras.
Algunos de sus escritores destacables son: Charles Baudelaire, Edgar Allan Poe, Arthur Rimbaud y Jean Verlaine. En el caso de las artes, algunos de sus artistas más reconocidos son Gustave Moreau, Odilon Redon y los Nabis.
Edipo y la esfinge de Gustave Moreau (1864).
Óleo sobre lienzo, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York (Estados Unidos).
La obra de Gustave Moreau representa al héroe de Tebas, Edipo y a la esfinge en el momento del
acertijo de la icónica tragedia griega de Sófocles. El tema que trata esta escena representada en la
pintura muestra el encuentro del héroe con la bestia: un monstruo que retaba a todo viajero que
pasaba por el entorno de las siete puertas: Tebas, adescifrar un enigma bajo la pena de muerte;
nótese los restos humanos en la esquina inferior derecha de la obra.
La obra trata temas fantásticos, típicos de las obras simbólicas, representando al tebano Edipo con
sus icónicos elementos (el manto y el bastón) y a la esfinge, como una bestia con cuerpo animal
con cuerpo y pecho de una mujer, para simbolizar aquella belleza fatal, demostrada con los restos
de las víctimas junto a la columna.
La obra se compone por dos personajes que nos dan una vista ambigua si no se conoce la historia
de Edipo Rey en donde vemos que se enfrentan y al mismo tiempo se identifican, multiplicando las
interpretaciones y preguntas que genera la obra.
La obra consiguió un éxito inmediato en el Salón de 1864, en donde Moreau rechazaba el realismo
(que por la época estaba muy de moda en Francia a mediados del siglo XIX)adoptando un estilo
subjetivo y mitológico semejante al de la pintura del quattrocento, dándole bases al simbolismo a
futuro.
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La Estatua de la Libertad de Alexandre-Gustave Eiffel y Frederic Auguste Bartholdi (1875).
Monumento, Isla de la Libertad en Nueva York (Estados Unidos).
La Estatua de la Libertad es reconocido como uno de los monumentos más emblemáticos de los Estados Unidos y de la misma forma, una de las estructuras arquitectónicas más famosas en todo el mundo, su existencia parte como un regalo conmemorativo de la declaración de independencia del país americano por parte de los franceses como signo de amistad, la estatua representa la libertad a través de una mujer con una antorcha, para representar su independencia respecto a la esclavitud.
Su uso de color tiene una gran representación simbólica, como se representa con el fin de encarnar la libertad, el mar y la sensibilidad. Del mismo modo, también busca mostrar la divinidad que en la estatua se simboliza con una antorcha iluminada, que nos manifiesta a una guía que alumbra y guía su futuro. Por otra parte, también podemos ver en su mano derecha la tablilla de la ley en donde se encuentra escrito en números romanos la fecha de Julio de 1776 y últimamente, podemos observar una cadena rota se encuentra a sus pies para simbolizar ese sentimiento de liberarse de las cadenas y ser libre.
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La puerta del infierno de Auguste Rodin (1880-1917).
Escultura, Museo Rodin, París (Francia).
La obra escultórica de Auguste Rodin de ‘La puerta del infierno’ es considerada una de las obras
más importantes realizadas por él, inspirando a los movimientos de finales de siglo XIX y los del
siglo XX. El lenguaje de la obra de Rodin se caracteriza por su ambigüedad de interpretaciones,
logrando así invitar a el espectador a buscarle significado a las formas y gestos que se presentan
en la obra de forma casi indescifrable tratando una alegoría al amor y la condena. En la escultura
podemos ver que se toma inspiración de varios elementos, siendo el más notable el de la Divina
Comedia de Dante Alighieri y Las flores del mal de Charles Baudelaire, autores notables del
movimiento del Simbolismo. Por otra parte, además de tener influencia dantesca en el tema del
infierno también tiene tres personajes recurrentes basados en otras de sus obras esculpidas
previamente: La figura de El Pensador, que retrata una reminiscencia a Dante ensimismado en su
propio pensar; Paolo y Francesca cuya historia proviene de la Divina comedia al momento de
someterse al pecado de la lujuria; y finalmente, Ugolino y sus hijos, en donde reproduce la
bestialidad en donde Ugolino, asalta de sus hijos, desesperado por el hambre
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Odilon Redon, La araña sonriente (1881).
Carbón, Museo d’Orsay, París (Francia).
La obra de Odilon Redon nos muestra la influencia de la ciencia en la imaginación de los artistas
del siglo XIX que hizo uso de la botánica y zoología para crear una creatura pesadillesca,
recordándonos obras de Doré (como lo es ‘El Noveno Circulo’) y Goya (tales como ‘Vuelo de
Brujas’ y ‘ El Aquelarre’), asimismo, la influencia de los literariossimbolistas Baudelaire y Poe,
dieron bases a las obras simbolistas del autor a través de lo mórbido del cual los otros artistas
mencionados se destacaban. Redon con esta obra crea un híbrido humanizado de una araña con
proporciones diferentes a lo que usualmente veríamos en una araña común, ojos grandes y una
sonrisa maliciosa con el propósito de provocar asco, incomodar, desconcertar y, sobre todo, hacer
pensar al que crítica la obra. Durante esta época, el artista se destacó por tener una ‘etapa negra’,
en donde exclusivamente utilizó el color negro (contrarío a los impresionistas, que lo habían
removido de sus paletas) que era la técnica tradicionalmente empleada por los académicos. El uso
que Redon le dio a esta técnica en la obra, horrorizo a los académicos, elemento del cual estaba
acostumbrado al usar la controversia como medio de expresión.
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Pierre Puvis de Chavannes, El Sueño (1883).
Óleo sobre lienzo, Museo d’Orsay, París (Francia).
La pintura ‘El Sueño’ de Pierre Puvis de Chevannes es netamente simbolista, donde podemos
observar un hombre reposando bajo la luz de la luna al pie de un árbol, siendo probablemente la
representación de un viajero. El sueño del hombre joven nos muestra a tres mujeres jóvenes
levitando por el cielo de una noche estrellada. Cada una de las mujeres de su sueño vendrían a
tener un significado simbólico: la primera evoca el amor portando rosas en sus manos, la segunda
simboliza la gloria a través de la corona de laurel que está levantando y finalmente, la última
mujer representa la fortuna al esparcir pequeñas piezas.
El uso de la paleta de colores, los tonos mates y palidez en la pintura es bastante limitado que
Puvis de Chevannes utiliza en la obra con el propósito de evocar ese sentimiento de calma,
tranquilidad, silencio que involucra el sueño. De la misma manera, Chevannes crea un paisaje
utilizando recursos simplistas, como lo vemos con el simplificado árbol y algún par de arbustos.
Chevannes va a ser luego de gran admiración por las jóvenes generaciones que le proceden en
esta corriente, como lo es Gauguin y los Nabis, por su uso de color, profundidad y temática y lo
que hace especial (y moderno) a sus obras: el empaste de grandes zonas coloreadas.
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La pérdida de la virginidad, Paul Gauguin (1891).
Óleo, Chrysler Museum of Art, Norfolk, Virginia (Estados Unidos)
La obra ‘La pérdida de la virginidad’, también conocida como ‘El despertar de la primavera’ de
Gauguin se nos presenta como una de las obras del autor basadas en la vida real antes de partir a
Tahití en donde mostro su interés por el simbolismo. En donde vemos un simbolismo puro: Una
mujer joven posando desnuda recostada sobre un charco rojo representando la sangre de la
virgen, del mismo modo que el fondo, en donde a la distancia podemos ver un grupo de personas,
que lucen como un cortejo nupcial buscando al responsable (en este caso, Gauguin), que dejó a la
joven embarazada antes de partir. El zorro, haciendo alegoría a la perversión y lujuria y una
posible representación del mismo Gauguin, junto al pecho de la joven. También podemos
reconocer que la joven sostiene de una flor blanca, con una punta roja, haciendo alusión a la
reciente desfloración que la chica ha experimentado.
Las obras del artista se logran entender con mayor facilidad conociendo el carácter, personalidad y vida del artista. Entre otros de sus aportes artísticos tenemos su uso expresivo del color y el primitivismo que vendrían a inspirar a los artistas modernos que le preceden (Matisse, Picasso,
entre otros.).
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Demonio sentado en el jardín de Mijail Vrúbel (1890).
Óleo, Galería Tretyakov, Moscú (Rusia).
La obra del artista Mijail Vrúbel ‘Demonio sentado en el jardín’, está inspirada por la obra
‘Demonio’, uno de sus poemas más reconocidos, del poeta simbolista Mikhail Lermontov, que
trata de la historia trágica de una bella criatura que tiene un corazón lleno de amor que vaga por el
mundo castigada con la maldición de matar todo lo que le toca; el demonio conoce a Thamar, y se
enamora de ella por lo que ella muere por uno de sus besos. El artista representa la tristeza del
demonio rodeado por los colores del ocaso para demostrar aquel sentimiento melancólico que
siente la criatura, acompañado de un fondo de flores creadas con formas geométricas que
acompañan la soledad y pena del demonio. Vrúbel detalla la pena y sufrimiento de la criatura de
una forma muy evidente, en donde si nos fijamos en el rostro del ente, podemos ver una lágrima
cayendo de su mejilla. Por otra parte, podemos ver que esta no es la típica convención de
demonio con cuernos y cola además de carecer de connotaciones religiosas, es una humanización
de la criatura para mostrar la belleza del demonio como un héroe trágico que alguna vez fue un
ángel antes de enfrentarse a su superior, su creador.
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Clotho de Camille Claudel (1893).
Escultura, Museo Rodin, París (Francia).
La escultura de Clotho nos hace una reminiscencia a la historia mitológica de Cloto, la más joven
de las tres hijas de Zeus y Temis, asimismo como una de las tres Moiras, que decidían el destino
del hombre en donde hilaba las hebras de la vida con su hiladora. Es una obra escultórica en la que
la artista se separa de la influencia de las obras de Rodin para así liberar todo su potencial
emocional en donde propuso diversas nuevas formas de expresar la escultura, rompiendo con los
estándares de la academia y revoluciono la escultura misma. De ese modo, podemos observar que
Claudel nos presenta a través de la obra una personificación del destino, que podemos observar
como un cuerpo desnudo que es consumido y atado por los hilos del destino, donde también
podemos ver como la incapacidad de controlarlo deterioran el cuerpo, abordando temáticas como
la vejez y el dolor. Claudel fue una artista revolucionaría para su época, influenciada por los
trabajos de su maestro Auguste Rodin, debido a su audacia al ser una mujer en una época donde
el arte era un oficio solo de hombres, además rompiendo con todas las normas del academicismo
para transmitir figuras expresivas y del mismo modo, imponiendo y la incorporación de una nueva
forma de ver el arte creado por mujeres.
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El jardín de la muerte de Hugo Simberg (1896).
Acuarela, Atheneum, Helsinki (Finlandia).
La obra de Hugo Simberg nos muestra principalmente una de las principales cuestiones
existenciales que abarcaban los simbolistas, la muerte y la vida, la naturaleza, entre otros en su
obra El jardín de la muerte. Simberg representa a la muerte con su representación tradicional: la
del esqueleto, debido a la influencia de la iconografía medieval y la forma artística de la Danza de
la muerte o Danza macabra, que buscaba darle una personificación alegórica a la Muerte
mediante la representación del esqueleto humano. De ese modo, podemos observar en la pintura
un jardín siendo cuidado por un par de esqueletos, haciendo un posible contraste a la vida y a la
muerte, mediante la representación del esqueleto humano como una alegoría a la muerte y el
jardín, como el florecer de la vida de forma simbólica debido a que el jardín es cuidado por los que
ya han muerto, para posiblemente representar que la muerte no necesariamente como algo
hostil, sino como algo a lo que no se le debe tener miedo, como un amigo, dándole cierto toque de
simpatía a la muerte mediante la representación de esqueletos sonrientes en un jardín, probablemente para representar la paz que se espera tener después de la vida.
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La esfinge (Las caricias) de Fernand Khnopff (1896).
Óleo sobre lienzo, Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica (Bélgica).
Esta pintura se destaca por ser rica en contenido mitológico y simbólico, además de su extensa popularidad entre los artistas que recrearon el mito de la Esfinge y Edipo. Su nombre significa “la que aprieta, la que ahoga” y es una buena referencia para referirnos a la simbología de la pintura misma, en donde prácticamente lo que Khnopff buscaba representar: la reencarnación de la animalidad, del instinto puro y sin control, y la agresividad de la mujer de esa época, mostrar dos aspectos distintos en uno solo, el cariño e intimidad de sus sentimientos y al mismo tiempo la vulnerabilidad de la agresión y la furia interna, una combinación de sentimientos subyacentes al igual que destructibles con la mujer convertida en bestia, la esfinge y se nos presenta a un Edipo que aparece con rasgos delicados y de tez suave y sensible, en donde lo que nos pretende mostrar el artista es la igualdad de condiciones en relación con la mujer y el hombre, el complemento que hace que la balanza se mantenga firme y no haya una predominancia de ninguna de las partes.
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El amor de las almas de Jean Delville (1900).
Temple al huevo sobre lienzo, Musée d'Ixelles (Bélgica).
La obra de Jean Delville enteramente simbolista muestra algo más allá de lo cognoscible, una especie de formas extrasensoriales que permiten llevarnos más allá de lo que es la pintura, introducirnos en el mundo del misterio y el espiritismo, cosas que no se pueden ver a simple vista pero sí ser capaz de sentir y explorar a través del arte. La pintura me refleja, pureza, sensibilidad y libertad más allá de las sombras de un calvario, una clase de agonía espiritual y un delirio interno, pero puedo percibir esperanza a pesar de esa atmósfera creada en son de duelo.
Las evidentes iluminaciones en el espiral azulado y en sus cuerpos porcelánicos hace a la idea de una divinidad y simbolo de perfeccion a la vez que limpieza, un matiz puro en otras palabras. Mi manera de ver el significado de la pintura está desde la parte de arriba de esta, el color amarillento tendiendo a anaranjado parece ser llamas, por las formas que genera en el cabello de las siluetas, me da la idea de que lo que pretende es consumir a los dos seres en medio y a lo que intentan crear con sus manos, es como si esa oleadas fueran una defensa ante las llamas, un escudo protector, por la posición de sus cuerpos parecen ser amantes, tener un amor mutuo más allá de lo físico, unas almas dispuestas a todo por amor, dispuestas a morir en llamas por entregarlo todo.
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El beso de Gustav Klimt (1908).
Óleo, Österreichische Galerie Belvedere, Viena (Austria).
La obra El beso de Gustav Klimt es una de sus obras más reconocidas del artista además de ser
considerada un tesoro nacional austríaco. El trabajo del artista en esta obra muestra a dos
enamorados rodeados por oro, inspirado por el arte bizantino; los motivos geométricos y la sensualidad. Del mismo modo, podemos ver a los dos amantes besarse sobre una naturaleza que
los cubre de pies a cabeza, haciendo alusión a la fertilidad mediante las flores y plantas que los
acompañan. Su estilo es excesivamente ornamental, en donde vemos al hombre vestido en una
túnica con rectángulos blancos, grises y negros de todos los tamaños colocados de forma irregular,
para simbolizar la masculinidad en contraste a la mujer, que se representa con un manto de
formas ovaladas y motivos florales de diversos colores para representar la sensibilidad, la
feminidad. Por otra parte, la obra también podría interpretarse desde la literatura e iconografía
como una representación simbólica del beso de Apolo y la ninfa Dafne, en la obra La metamorfosis
de Ovidio, en el momento que esta se está convirtiendo en un laurel; por lo cual la representación
del terreno fértil que rodea a la pareja en la obra tomaría un nuevo sentido.
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Niña sobre una alfombra roja de Felice Casorati (1912).
Óleo, Museum Voor Schone Kunsten, Gante (Bélgica)
La obra de Casorati es una obra simbolista y parte del Art Noveau en donde muchos de las nuevas
e interesantes vanguardias nacientes tuvieron lugar dentro de la pieza. Su estilo principalmente
consistió de temas sencillos pintados en un estilo que rozaba con lo abstracto y el simbolismo
clásico con el uso del color, como lo es la mezcla de violetas y rojos de la obra. La obra es rica en
naturaleza muerta, elemento que a Casorati le encantaba, en donde los juguetes que reposan al
lado de la niña hacen una alusión metafórica a los últimos años de la infancia y el pronto inicio de
la adultez.
Sus obras se destacan por su toque ‘clásico’ pero, algo que rompía y se destacaba como parte de la
identidad del artista como lo eran las perspectivasinusuales que utilizaba en muchas de sus obras,
en donde es utilizada para hacer un contraste entre el espectador y la niña que hace parte de la
pintura, distante en sumundo inócente de la infancia. Por otra parte, otras obras de Casorati se
destacaron por ese sentimiento de alejarse de las vanguardias y el sentimiento de irrealidad
propio de la pintura metafísica, originario de su país (Italia).
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Cristo Redentor de Heitor da Silva Costa Carlos Oswald y Paul landowski (1931)
Monumento, Rio de Janeiro (Brasil).
Esta gran estatua está dedicada a uno de los símbolos religiosos más importantes del cristianismo: Jesús de Nazaret (Jesucristo), esto le da tanto valor a nivel espiritual, simbólico y de la misma forma, valor artístico, debido a que se encuentra que es una pieza de exhibición de arte a gran escala.
Su gran tamaño y altitud la hace ver predominante y como un ícono de respeto y honra, al igual que los hermosos tallados del velo y las facciones similares al ‘Jesús’ que nos muestran en las frecuentes representaciones en el arte. La manera en la que están ubicados sus brazos pueden expresar y ser interpretados como un símbolo de paz y nobleza.
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Edificio Nunotani de Peter Eisenman (1991).
Edificación, Sede Nunotani de Tokio (Japón).
El edificio está diseñado de tal manera que represente y demuestre la sensación a un desorden o una inestabilidad en las plantas tectónicas de la estructura con el objetivo de simbolizar lo que pasa después de un terremoto, ya que en Japón se frecuenta mucho los movimientos sísmicos.
El edificio es una obra de arte mutuo que expresa visiblemente todo el tema sin irse a otro contexto, es muy fácil de entender sin necesidad de una explicación, sus formas desiguales y su arquitectura se reflejan de una manera significativa, predominante y completamente nueva llegando a ser una innovación para esta época y una forma de comunicación sin profundizar una idea de forma verbal, con el propósito de captar el drama de la inestabilidad y darle algún sentido al movimiento en la obra, como si todo el edificio se estuviera derrumbando poco a poco. Una idea bastante creativa, y que lleva a la imaginación la interpretación de esta edificación.
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Línea del tiempo del Simbolismo de Luis Durán y Sara Bernal para Historia de las Artes y el Diseño.
